Du XIX^e au XXI^e siècle : réinventer l'art

Les XIX^e et XX^e siècles constituent des tournants : les questionnements pour changer les normes esthétiques établies, qu'elles soient formelles ou morales, ont profondément changé la perception de l'œuvre d'art.

Au XIX^e siècle : bousculer les normes

Le poids de la tradition classique préconise une certaine idée du beau, aussi bien dans le style (

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) que dans le choix de ce qui est représenté ou le sujet abordé : la notion d'oeuvre d'art est ainsi contrainte par des normes strictes (

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et 2

). Y déroger, c'est s'exposer au scandale, à la polémique, au procès. Mais les artistes et écrivains du XIX^e siècle ne s'y trompent pas : il s'agit d'être plus vrai, plus sincère, et de trouver, comme Baudelaire, la formule de « [son] beau ».




Au XX^e siècle : l'idée et le geste de l'artiste

Les débats esthétiques du XX^e siècle s'articulent autour de la définition de l'œuvre d'art et mettent l'artiste au premier plan (

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) : le procès Brancusi contre les États‑Unis questionne la nécessité de l'imitation du réel et les ready‑made de Duchamp bouleversent le rapport de l'artiste à son matériau. On considère alors que c'est l'action de l'artiste sur le matériau qui fait l'œuvre, et que tout matériau est utilisable.

Une œuvre doit‑elle être morale ?

Durant le Second Empire, le contrôle des mœurs par la justice et la limitation de la liberté d'expression occasionnent des procès contre les écrivains. En 1857, Gustave Flaubert et Charles Baudelaire sont tour à tour accusés d'outrage à la morale publique et religieuse. Le jugement du procès de Madame Bovary confère à la littérature une mission précise : élever l'intelligence et épurer les mœurs (

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). La morale évolue néanmoins selon les époques : en 1949, le jugement des Fleurs du Mal est révisé et son auteur acquitté.




Être au plus près du réel

Les procès intentés à Flaubert et à Baudelaire sont contemporains des différends qui agitent la scène artistique lors de l'avènement de la peinture réaliste ; tous posent la question de la représentation du réel : un artiste peut‑il tout représenter ? tout dévoiler ? Les peintres Courbet et Manet s'affranchissent des codes esthétiques classiques et interpellent leurs contemporains par leur audace : leurs modèles sont peints sans idéalisation (

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), tandis que Zola et Céline s'insurgent contre l'académisme de la littérature qui écarte la langue populaire des romans (

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).

Des normes à réinterroger

Les normes esthétiques sont représentées par des institutions (

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et 4

). Or, l'évolution de l'art crée de nouvelles normes ou les déplace : lorsque le romantisme ne choque plus, la création d'une légende autour de la bataille qui l'a fondé devient nécessaire (

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). La naissance du métier de journaliste questionne le statut littéraire du texte journalistique, et des écrivains-journalistes comme Emmanuel Carrère brouillent les frontières entre les genres (

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).




Un art de plus en plus participatif ?

Le public est de plus en plus présent dans les révolutions artistiques. Ainsi, la bataille d'Hernani se joue dans la salle, et la victoire ou l'échec se compte en applaudissements et en huées (

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). Dans les tableaux de Manet, le regard des femmes permet d'intégrer le spectateur au tableau (

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). Enfin, les performances artistiques vont parfois jusqu'à faire de l'artiste un objet dans les mains des spectateurs : dans Rythm 0, c'est en quelque sorte le public qui a créé l'œuvre (

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).